« Squares est différent de mes autres œuvres », nous explique le photographe Adam Magyar dans une interview. « Il n’a pas de couches. J’en parle à peine. »Si vous passez beaucoup de temps à interviewer des centaines de photographes sur une décennie, cette dernière déclaration vous choquera vraiment. Les photographes ont tendance à mettre leurs travaux les plus significatifs sur leurs sites Web. Cependant, Adam a continué à raconter qu’il n’avait jamais pensé que les carrés avaient une signification profonde malgré leur esthétique visuellement agréable.
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Squares est un travail très convaincant. Lorsque vous le regardez, intrinsèquement votre curiosité fera surface. Vous commencez à vous demander où toutes ces images ont été tournées. L’heure à laquelle Adam leur a tiré dessus est également dans l’esprit. Et vous commencez également à regarder un tas de choses différentes dans les images comme la tenue vestimentaire des gens, les ombres, etc. Regarder des images comme celle-ci me rappelle de regarder les livres “Où est Waldo” quand j’étais beaucoup plus jeune. À cette fin, je crois qu’il y a une sorte de nostalgie cachée et un sentiment de paix que nous ressentons avec les photos d’Adam. Ce que je me demande aussi, c’est à quoi cela aurait ressemblé si la vitesse d’obturation avait été ralentie. Les sentiers des gens qui marchent auraient-ils pu ressembler à des traits de peinture à l’aquarelle? Comment les ombres y auraient-elles joué ?
Néanmoins, les images d’Adam dans cette série sont assez belles. C’est le deuxième fois nous avons présenté le travail d’Adam, qui porte un look très signature.
L’équipement Photographique Indispensable d’Adam Magyar
Adam nous dit:
Je développe des équipements, des méthodes et toutes sortes de choses pour réaliser les paysages urbains. Mais les principes sont les mêmes. La lumière arrive, frappe le capteur et l’image arrive. Je parle et je décris les techniques derrière mes œuvres quand il est logique de comprendre les messages. Sinon, la technique fait partie d’un savoir-faire et d’une passion que nous seuls, photographes, comprenons et partageons. Pour la série Urban Flow, j’ai assemblé un appareil à partir de composants de scanner et de caméra. C’était une expérience passionnante. Plus tard, j’ai utilisé des caméras de vision industrielle. Toute la méthode est très excitante. Ces caméras fonctionnent comme sur des roulettes. Ce sont des machines qui enregistrent tout en flux. Ils capturent la vie sous la forme de foules de belles personnes sans mettre l’accent sur aucun élément ni sur une seule personne. Il n’y a pas d’histoire. Nous sommes l’histoire et la beauté.
Phoblographe: Parlez-nous de la façon dont vous êtes entré dans la photographie.
Jean-Pierre: J’ai beaucoup voyagé, autant que j’ai pu le faire. Pas grand-chose, juste des sacs à dos et être là. Il y avait des cultures, des maisons, des trains, des bus, des arbres, des montagnes, des levers de soleil, la vapeur du thé, beaucoup de poussière et beaucoup de beaux jours profonds, mais il s’agissait toujours de gens. Les gens ont toujours été au cœur de mes voyages. J’ai donc commencé à les photographier. Je n’étais pas capable de dire avec des mots ce que j’ai vu et ressenti. Je n’ai pas parlé pendant quelques années. Je ne pouvais pas dire ce qu’il y avait à l’intérieur. Les images sont juste plus bavardes. Les photographies peuvent en dire beaucoup. Tout ce qui est important, c’est l’histoire que nous voulons raconter et ne pas l’utiliser à tort. Dans la plupart de mes images, des choses se sont passées. Même si ça a l’air irréel, c’était réel. Et c’est ce qui m’intrigue : faire en sorte que la réalité se produise dans les estampes.
Phoblographe : Qu’est-ce qui vous a donné envie de vous lancer dans un travail documentaire d’art comme celui-ci?
Jean-Pierre: Avec toutes mes œuvres, j’ai voulu rendre tangible l’existence et le moment présent : le monde et l’implacabilité du temps. Quand j’ai pensé à commencer à faire de la photographie sérieusement, je voulais essayer de faire des images qui inciteraient les gens à les regarder et à penser au temps et peut—être au comportement non responsable que nous avons envers le temps, donc les uns aux autres – de gros mots. Je ne suis pas sûr d’y être parvenu. Parfois, je voyais des gens passer du temps à regarder mes vidéos, espérons-le, en pensant à leur temps. C’est assez bon, je suppose.
Phoblographe : D’où vient l’inspiration pour ces images de style top-down ?
Jean-Pierre: Je cherche toujours un point de vue d’ensemble. Là où l’individualité est une chose vague, elle existe et est valable mais n’a pas vraiment d’importance. Nous ne faisons plus qu’un avec l’espace et le temps tels qu’ils sont.
Phoblographe : Quelle est, selon vous, l’importance de la couleur pour ces scènes ? D’après son apparence, il semble que les gens contrastent avec un arrière-plan, et la couleur aide à cela, non?
Jean-Pierre: La plupart de mes œuvres sont en noir et blanc. J’ai toujours pensé que j’avais besoin de comprendre les nuances de gris entre les noirs et les blancs avant de pouvoir gérer le pouvoir de la couleur. Squares est différent de mes autres œuvres. Il n’a pas de couches. J’en parle à peine. C’est une étude de perspective qui aboutit à des images athlétiques. Je n’ai jamais pensé que cela avait une signification très profonde. Cela plaît habilement à l’œil, mais j’aime qu’une œuvre soit plus.
Phoblographe : On dirait que vous avez opté pour un éclairage très spécifique avec cette série. En quoi cela a-t-il aidé votre vision créative?
Jean-Pierre: La lumière est tout. C’est tout dans la vie, et c’est tout dans la photographie. J’ai toujours besoin d’étudier la lumière pour mes images. Dans les villes, vous ne pouvez pas le contrôler. Vous devez faire les images lorsque la lumière vous est favorable. C’est tout. Rien de spécifique. Juste une lumière douce. Pas trop lumineux et pas trop sombre et assez doux. J’ai besoin d’une lumière douce pour mes projets. Je le trouve, ou je l’attends.
Phoblographe: Évidemment, sur votre site Web, nous voyons une sélection spécifique de ce que vous avez tourné. Mais qu’est-ce qui a déterminé si une photo a fait partie de votre série finale?
Jean-Pierre: Si c’est assez bon, je le libère. Sinon, il va dans les archives et les déchets. Normal.
Phoblographe: Avez-vous déjà expérimenté une vitesse d’obturation lente pour montrer le drame du mouvement?
Jean-Pierre: J’ai fait beaucoup de matériaux à obturateur rapide et lent. Je suppose que tout mon travail est à ce sujet. Drame? Je n’aime pas en parler. Je pense que je ne suis pas qualifié pour cela. Je ne comprends pas le drame. Ma vie est trop belle pour parler de drame dans mes œuvres, donc mes images en sont vides. Je ne peux parler que de vies qui s’éteignent. Quelles que soient les conditions, ils s’écoulent. On y va tous.
Phoblographe : Quelles difficultés avez-vous rencontrées pour exécuter ces photos ?
Jean-Pierre: Toutes sortes. Technique et visuelle. J’ai le concept des images en tête pour commencer. Je dois trouver un moyen de les réaliser. J’ai beaucoup d’envies de faire des photos que je ne trouve tout simplement pas le moyen de faire. Toutes mes idées sont liées au temps. Cela me rend très excité si je peux faire quelque chose à partir de mes idées. Les autres restent des rêves. Il est difficile de faire des photos. Cela n’arrive qu’en étudiant la situation.
À propos d’Adam Magyar
Magyar est un photographe et vidéaste hongrois basé à Berlin. Il a commencé à prendre des photos à la fin de la vingtaine, quand il a commencé à errer dans des villes asiatiques capturant leur vie de rue dans des images de vendeurs de rue indiens, d’hommes saints errants et d’étudiants dans une école himalayenne exclusive. Obsédé par la recherche de nouveaux usages innovants pour la technologie numérique, le travail de Magyar a rapidement évolué de la photographie documentaire conventionnelle à la photographie radicalement expérimentale et surréaliste.
Dans ses œuvres, il utilise différentes technologies et logiciels auto-développés pour photographier le flux sans fin de la circulation piétonne dans les intersections les plus fréquentées du monde. Les gens se déplacent comme prédestinés, marchant vers une destination commune. À chacune de ses séries, il observe le temps qui passe et la vie qui palpite devant ses yeux, et il scrute la fugacité de la vie et l’envie inhérente de l’homme de laisser une trace derrière lui, adoptant et réinventant des dispositifs contemporains comme des caméras de vision industrielle pour pouvoir produire ses paysages urbains uniques.
Ses œuvres font partie des collections de la Bibliothèque publique de New York, du Musée des Beaux-Arts de Houston, du Musée du Patrimoine de Hong Kong, du Musée d’Art Nelson-Atkins, de la Deutsche Bank et de Microsoft. Ses photographies ont été publiées dans le livre In the Life of Cities de la Graduate School of Design de l’Université Harvard, Light and Lens de Robert Hirsch, Contact Sheet de Light Work, dans divers magazines de photographie dont PDN, Musée et PQ Magazine aux États-Unis, Flash Art en Hongrie, Digital Camera Magazine au Royaume-Uni et the Katalog, au Danemark.
Toutes les images sont de Adam Magyar. Utilisé avec permission. Assurez-vous de vérifier son site web. Vous voulez être présenté? Cliquez ici pour savoir comment.