L’animation est l’endroit où vous pouvez montrer votre plus grande créativité. Les animations réussies ne sont pas produites du jour au lendemain. Beaucoup de choses se combinent pour faire une bonne animation.
Par conséquent, un animateur doit comprendre les bases de l’animation.
Dans cet article, nous discuterons de certains des voyages et astuces qui peuvent vous faire passer d’un débutant à un animateur expert.
Mettre en évidence visuellement les éléments les plus importants
Le but de la mise en scène est d’attirer l’attention du public sur les aspects les plus significatifs d’une scène. Ajoutez des mouvements mineurs ou d’autres éléments visuels pour attirer l’œil du spectateur si vous avez du mal à décider sur quoi vous concentrer dans votre animation.
Il existe deux méthodes pour créer image par image: tout droit, que vous commencez au début et travaillez jusqu’à la conclusion, et pose à pose, où vous créez le début et la fin de votre animation, puis travaillez jusqu’au milieu.
Cela vous aiderait si vous vous entraîniez à sélectionner la meilleure option pour l’animation sur laquelle vous travaillez. Straight ahead est “idéal pour le mouvement organique, comme la fumée et les flammes, car cela rend vos graphismes plus dynamiques et aléatoires », selon plusieurs enseignants et animateurs, dont le célèbre Johannes Fast.
alors que poser à poser est “idéal pour la capture de mouvement où vous deviez frapper différentes postures clés tout au long de l’image.”
Assurez-Vous Que Vos Dessins Sont Réalistes
Parmi les plus cruciaux Animation 2D ideas consiste à utiliser des dessins solides. Il rappelle aux gens que, même si les objets ne sont représentés qu’en 2 dimensions, ils doivent apparaître en trois dimensions. Améliorez vos capacités artistiques 3D et assurez-vous que tous les composants de votre animation ont un volume, un poids et un équilibre réalistes.
Si vous avez du mal à trouver comment créer votre animation pour qu’elle paraisse parfaite, réfléchissez à la façon dont cela pourrait se produire dans la vraie vie. Cela peut être accompli en regardant diverses vidéos en ligne, en vous filmant en train d’agir ou en observant comment les autres personnes, créatures ou objets se déplacent.
Il est facile de se laisser entraîner dans les parties techniques de l’animation lorsque vous débutez; c’est pourquoi le dernier principe est là: vous encourager à rendre votre travail engageant pour le spectateur en incluant la beauté, la variété et même un peu de plaisir.
Exagérez Votre Mouvement
Bien que de nombreuses animations visent à créer un mouvement plausible, l’exagération est souvent ce qui rend une excellente animation fantastique. Le spectateur peut ignorer les mouvements trop délicats, alors pensez à pousser les animations en dehors des limites du mouvement réel, principalement parce que vous voulez souligner quelque chose ou ajouter un impact significatif.
Prenez la motivation des autres animateurs et analysez comment ils ont travaillé.
Astuce Bonus: Sur les vidéos en ligne, vous pouvez également ralentir la vitesse de lecture ou mettre en pause le film, puis appuyer sur la touche période pour avancer image par image. Allez plus loin en essayant d’imiter le travail d’autres animateurs. Bien qu’il soit évident que vous ne devriez pas le faire passer pour votre effort initial, cela peut être une technique précieuse pour perfectionner vos talents.
Utilisation de l’Action Secondaire
Tous les mouvements qui ne sont pas essentiels à la scène mais qui aident à compléter le mouvement principal et offrent une dimension supplémentaire à la scène sont appelés actions secondaires. Essayez d’ajouter une action supplémentaire à vos animations si elles se sentent un peu plates. Portez une attention particulière au concept de temps de l’animation si vous vous demandez comment et où animer en douceur.
Le nombre d’images prises par votre activité et la proximité de ces images sont également des facteurs de synchronisation. Vous pouvez modifier la vitesse apparente, le poids et la propreté de l’animation en modifiant le nombre d’images. Pour rendre l’animation plus fascinante et plus réaliste, vous devez utiliser une variété de timing.
Facilité d’Entrée et de sortie de Vos Mouvements
Lorsqu’un objet se déplace, il ne commence pas toujours à bouger au rythme le plus rapide ou à rester au même rythme tout le temps; cependant, beaucoup d’animations horribles le font.
En conséquence, vous devez vous assurer que tout votre mouvement a une accélération et une décélération réalistes, selon le concept d’animation de slow in et slow out. Vous pouvez l’appliquer à vos images en incluant plus de pixels au début, moins au centre et à la fin d’un mouvement.
Presque rien dans la nature ne va en ligne droite — agiter la main ou balancer le bras révélera un arc, même s’il est petit. Si vos animations semblent un peu bizarres, envisagez d’utiliser des arcs pour lisser le parcours du mouvement.
Tout Mouvement doit Suivre
L’anticipation concerne la façon dont vous commencez votre mouvement, tandis que l’exécution concerne davantage la façon dont vous le terminez. Lorsqu’un objet s’arrête complètement, il ne le fait généralement pas tout à la fois. L’introduction de mouvements mineurs après la fin de la mise au point significative lui donnera une apparence plus réaliste.
Il est rare qu’un objet commence à avancer sans une forme de mouvement précédent dans la direction opposée. Pensez à lancer une balle: Avant d’étendre votre bras vers l’avant, vous le tirez vers l’arrière. L’illusion d’élasticité et de vivacité peut être créée en écrasant et en étendant un matériau au fur et à mesure de son mouvement.
Il peut également informer le spectateur de la dureté ou de la douceur de l’objet (les objets plus mous doivent s’écraser et s’étirer davantage). Si vos animations semblent trop rigides, envisagez d’ajouter compresser et étirer l’animation pour voir si cela vous aide. L’ajout d’anticipation donne au spectateur une idée de ce qui est à venir et empêche votre mouvement de paraître aléatoire.
Détendez-vous lors de l’animation
Au point de contact, évitez de saisir tout le corps. Le moment du contact ne sera pas enregistré sur un film 24 images par seconde dans la plupart des activités, en particulier les plus rapides. Plus important encore, vous aplatirez vos arcs en biaisant le mouvement pour culminer au point de contact. Le bras est la force la plus forte lorsqu’une figure prend un verre.
Animez la main passant à travers le verre, en gardant de beaux arcs tout en dépassant le point de contact. Ajustez l’emplacement et la limite du verre pour compenser le moment de contact manqué entre les cadres. Vous devez également traiter chaque phrase ou ligne comme un tir séparé. Limitez votre chronologie pour afficher la phrase sur laquelle vous vous concentrez et donnez l’idée que vous animez un début, un milieu et une fin.
Mettez votre dialogue en sourdine
Lorsque vous travaillez sur les mouvements du corps et les mouvements du corps entier, il est tentant de trop compter sur les mots pour compenser le manque de performance physique. Avec le son en sourdine, les meilleurs coups de conversation fonctionnent tout aussi bien. Avant d’afficher vos pairs, désactivez vos images pour diagnostiquer les communications qui s’y trouvent.
Votre langage corporel n’est pas non plus suffisamment évolué ou encourageant si vos collègues n’acquièrent pas une image forte du lien entre les figures et une compréhension décente de ce qui est dit. Revenez à votre corps et réaffirmez vos choix de pose pour les aspects essentiels.
Parler la ligne entièrement avec votre langage corporel avant de désactiver le dialogue et de repasser la synchronisation labiale. Vous ne pouvez pas toujours vous débarrasser des défauts des animations, peu importe à quel point vous essayez. Sélectionnez tous les paramètres et les touches de configuration directement après l’attelage initial pour réserver cette section. Maintenant, supprimez les clés gênantes, en sachant qu’elles n’influenceront pas le reste de la série.
Pré-Production
La première phase du processus d’animation est l’étape de pré-production. Au cours de cette étape, l’équipe d’animation développe l’intrigue. Il crée le scénario d’animation, conçoit les personnages, produit un storyboard, choisit les palettes de couleurs, prépare les décors et enregistre la voix off. Parce qu’il s’agit d’une étape dans la préparation du processus, il doit être exécuté de manière appropriée. Un script bien écrit devrait inclure toutes les actions visuelles et les récits.
Basé sur le récit, le storyboard décrit la chronologie des événements et des activités en démontrant comment ils sont organisés. Les personnages seront développés, les arrière-plans seront esquissés et d’autres éléments visuels planifiés.
Production
La production rassemble maintenant les concepts d’animation, ce que nous avons accompli en rassemblant tous les éléments précédemment créés et en assemblant les scènes. Cette méthode comprend la peinture de décors, la création de scènes particulières et d’activités de personnages, l’animation préliminaire, le redressement de l’animation (traçage), l’entrelacement, la coloration et la peinture des dessins à l’aide d’un logiciel informatique, la composition et l’exportation.
Les animateurs créent une feuille d’exposition avec toutes les étapes pour que chaque scène lie tout. La feuille d’exposition comporte cinq composantes : la synchronisation et les mouvements, la musique et les conversations. L’arrière-plan, les couches d’animation et le point de vue sont tous inclus. Il est nécessaire de nettoyer et de polir un brut Animation 2D une fois qu’il a été créé. Ce processus est également connu sous le nom de traçage.
C’était tout au sujet des Trucs et astuces d’animation pour les débutants.
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